arranger...

niveau 2

Avec le bagage déjà acquis, il n'y a pas de mystère : plus vous réalisez d'harmonisations et plus vous serez à l'aise. Avant d'ajouter des éléments supplémentaires, tels que les accords à 4 sons, les modulations etc., il est utile d'approfondir par l'usage les quelques règles et conseils du "niveau 2".
La présence de notes mélodiques change énormément le climat musical des mélodies : elles confèrent beaucoup plus de personnalité et de caractère. Se contenter d'une scolaire rédaction à quatre voix pourra sembler rébarbatif, et restera en-deçà du potentiel que porte ces mélodies.

Arranger ces harmonisations, c'est utiliser des moyens adaptés pour que la basse et les voix complémentaires concourent au mieux pour en amplifier le caractère. Pour cela, on pourra se pencher sur le rythme des parties d'accompagnement, sur l'adéquation des instruments et de leur notation, et aussi tous les éléments liés à la dynamique et aux nuances.

les instruments

On n'écrit pas pour guitare comme pour piano, ou pour un groupe de cuivres...
Là, il y a un petit point à faire : un logiciel d'édition (tel que MuseScore) ne peut pas remplacer des "vrais" musiciens ; certes, il joue plus juste, il ne se trompe pas, il garde le tempo... mais il n'interprète pas : aucune souplesse ni variation de caractère. Même avec une bonne "soundfount" certaines dispositions sonneront "mal", alors qu'elles seront excellentes jouées par des interprètes humains. Petit test : recopiez une page de Debussy avec MuseScore ... son exécution par le logiciel la rendra brutale, malsonnante et ridicule, par comparaison à une interprétation d'artiste.

Ceci dit, qui vise à relativiser la perfection de l'exécution audio d'une partition numérique, prenons différents cas d'harmonisation et voyons comment les améliorer.

Avec trois, quatre instruments mélodiques, ou même davantage, une notation suivie et équilibrée sera de mise : chaque "voix" ou partie instrumentale a besoin de continuité, de cohérence mélodique. On veillera à ce qu'aucun instrument soit mal servi, c'est-à-dire qu'il faudra éviter de lui donner une partie sans intérêt en lui écrivant trop de silences, de notes isolées et pas de motif mélodique significatif. Il faut donc veiller à ce que des notes mélodiques personnalisent les voix intermédiaires, et aussi à ajouter des imitations mélodiques qui dialoguent - même sommairement - avec la mélodie principale.

Avec un instrument harmonique (guitare, piano, harpe, orgue, etc.), il y a moins d'obligations de ce genre : on peut alléger la notation. Il faut le plus souvent mettre en évidence la basse, puis aménager les accords. Les arpèges peuvent légitimement trouver leur usage pour remplacer les voix moyennes.

Nous prendrons un fragment mélodique, et essayerons de l'adapter sous plusieurs façons.
En premier lieu, cherchons la basse qui lui convient le mieux. C'est toujours la première étape, quelque soit l'instrumentation.

On relève la présence de broderies et de notes de passage dans les mouvements de double-croches; retirons-les et le "résumé" des notes harmoniques donnera :          
Ma proposition sera de placer un accord par noire : I  VI   II   V   I.        D'où la basse que voici :

Ensuite, prenons pour commencer un instrument seul : la guitare
Il est difficile d'écrire pour guitare pour qui n'en joue pas : 6 cordes, 5 doigts, et la moindre note peut poser des problèmes insolubles.
Une position facile, si on ajoute ou change une note, devient malaisée, acrobatique et même impossible.
La guitare se note avec une clé de sol octaviante (elle sonne une octave plus bas), nous placerons la mélodie et la basse prioritairement, et ajouterons des sons complémentaires seulement lorsque le chant n'est pas en mouvement. Il faut supposer un tempo tranquille :

                      

On comprend que le nombre restreint de notes que l'on peut écrire oblige à trouver la basse la meilleure, et à s'y tenir.

Passons à la notation pour piano. Ici, beaucoup plus de possibilités se présentent. On peut inclure dans la basse des notes harmoniques et mélodiques, valoriser un rythme d'accompagnement... :

                      

                      

                      

 Si, pour finir, nous prenons un ensemble d'instruments, on pourra attribuer des "rôles" : basse, doublure, dialogue, rythme d'accompagnement, etc. et les faire évoluer : des échange de rôles sont souvent de bel effet.

 

 le rythme

 Les exemples ci-dessus le montrent clairement, la notation rythmique permet par sa variété de donner belle allure à une harmonisation. La mélodie propose certains éléments : ils doivent être prioritairement repris dans l'harmonisation. Cela ne signifie pas qu'un rythme donné doivent être simultanément écrit à toutes les voix. Cela arrive parfois lorsqu'une certaine dynamique est significative. Mais généralement, c'est le contraire : si la mélodie présente un trait en notes rapides, l'harmonie doit rester relativement placide. Et inversement, quand la mélodie se traîne sur des valeurs longues, l'harmonie (une voix moyenne) ou la basse pourra s'exprimer avec des notes nombreuses.
Evitez de mélanger binaire et ternaire : un triolet mélangé à des groupes de double-croches - sauf raison musicale - donne un effet maladroit. Il suffit le plus souvent de le changer en une croche suivie de 2 double-croches pour sauver la situation.
La vigueur rythmique d'une pièce tient à ce que ses éléments thématiques restent bien présents : noter un rythme intéressant dans la 1^e mesure, puis ne plus le réentendre ensuite est une erreur, ça s'appelle du gaspillage ! 

   

Cet exemple montre le même fragment mélodique harmonisé par deux accords ( I - V ) et arrangé de trois façons :
(1) : toutes les voix en homorythmie. Les 3^e et 4^e temps pourront sembler morts après l'agitation du 2^e.
(2) : la basse imite le chant du soprano avec un rythme similaire mais décalé au 3^e temps. Meilleure continuité.
(3) : la basse et l'alto se renforcent en imitant le rythme typique exposé par le soprano. La polyphonie parait plus riche alors que l'écriture n'est qu'à trois voix.

les nuances

 Si une mélodie ne présente pas d'indication, cela ne signifie pas qu'il n'y a qu'un mezzo-forte du début à la fin...
Un peu d'imagination permet de faire apparaitre des contrastes heureux, et si on parvient à ménager des oppositions entre des instants forte et d'autres piano, on pourra les expliciter par l'écriture :  beaucoup de notes pour les f et ff et réduire à deux voix (ou trois) pour les parties p.

Ainsi, un fragment mélodique tel que celui-ci :  

pourrait être traité avec un contraste : 1^e mesure forte, et les mesures suivantes piano ...
 Ce qui se rédigerait ainsi, pour quatuor à cordes :   

 ou bien de cette façon, parmi beaucoup d'autres :  

Pour se familiariser avec les possibilités instrumentales et comprendre comment rendre un caractère musical, la lecture et l'étude de nombreuses partitions de styles divers reste l'approche la meilleure qui soit. Les points saillants que l'on remarquera alors resteront en mémoire et serviront de référence au moment de rédiger une partition.
Quelques pistes à consulter : les transcriptions.

Exercices   B 8     B 9     B 10

Harmonisez ces courtes mélodies, en leur donnant le caractère adéquat.

Corrigés des exercices   B 8   B 9   B 10

continuons les acquisitions, et passons au  niveau 3